Univers partagés ~ Là où l'on échange autour de la création dessinée

Nous avons droit, en cette fin d'année, à un véritable foisonnement cinématographique autour des œuvres phares de Jean Van Hamme. Entre le film de XIII, diffusé sur Canal + durant le mois de décembre, et la sortie du long métrage adapté de Largo Winch, les amateurs de thriller financier et politique devraient en avoir pour leur argent. Je me focaliserai ici sur l'oeuvre de Jérôme Salle, basée sur les quatre premiers tomes de la BD de Francq et Van Hamme.

Le samedi 29 novembre dernier, le cinéma Pathé Atlantis proposait une journée dédiée à Largo Winch : projection du long métrage en avant-première en présence de l'équipe du film, dédicace de Francq, Jérôme Salle et Tomer Sisley, ... Le personnage de milliardaire aventurier créé par Jean Van Hamme il y a 30 ans est plus que jamais sous le feu des projecteurs !

Le film s'ouvre sur l'assassinat de Nerio Winch, magnat de l'industrie, image même du self made man à l'ancienne. C'est justement le moment que choisit un ancien marchand d'armes reconverti dans les affaires pour lancer une OPA sur le groupe W, dont Nerio occupait la tête. Ne pouvant supporter d'être plus longtemps déstabilisé, le conseil d'administration du groupe W est conscient de la nécessité impérieuse de désigner un nouveau dirigeant. C'est sans compter sur le secret que Nerio Winch gardait précieusement : il s'était trouvé un fils, un garçon qu'il avait adopté voilà plus de 20 ans. Cette révélation ne fera pas que des heureux parmi les ambitieux du groupe. Pour réussir à s'imposer, Largo devra non seulement prouver qu'il était adoubé par Nerio, mais aussi qu'il possède toutes les aptitudes pour occuper le poste. Une tâche d'autant plus difficile à accomplir qu' il est menacé par un complot visant à l'écarter.

"Adapter, c’est trahir" avait déclaré Claude de St Vincent, directeur général adjoint du groupe Média-Participations, pour justifier les libertés prises par le dessin animé de Valérian. Le même constat s'applique pour bien des films inspirés de BD européennes ou américaines. En guise de parenthèse, nous relèverons juste que les Japonais font généralement le choix inverse et restent au plus proche du format papier, et ce avec plus - Death Note - ou moins - Nana - de succès (en attendant de découvrir, le 14 janvier prochain, l'adaptation cinématographique de 20th Century Boys).

Mais revenons au sujet qui nous occupe ici, à savoir les aventures de ce minot de 26 ans qu'est Largo Winch, plus habile pour tomber les femmes que pour porter le costume-cravate du bon business-man. Les scénaristes se sont accordées une bonne marge de manoeuvre par rapport au matériel originel qu'ils avaient à leur disposition (Simon Ovronnaz manque à l'appel, le QG du groupe W est implanté en plein dans Hong-Kong, le machiavélisme de Nerio est un peu gommé), mais sans trahir l'esprit insufflé par Van Hamme. On est ainsi loin de la déception qu'avaient constitué les 38 épisodes de la série TV. L'adaptation est intelligente, elle conserve l'essence de l'œuvre originelle (la paternité, la trahison, les intrigues financières) tout en tirant parti des spécificités du cinéma (flash-back, plans sur l'île de Sarjevane, etc.). Les gardiens du temple crieront peut-être au scandale. Ils oublient malheureusement un peu vite que la BD est elle-même une adaptation. La proposition cinématographique de Jérôme Salle est tout à fait louable : elle réussit à la fois à interpeller le spectateur qui a déjà lu la version papier et à happer le néophyte. Le film n'est bien sûr pas exempt de défauts, à l'instar de scènes d'action convenues et de quelques longueurs. C'est d'ailleurs quand elle s'éloigne de l'action pour décrire les rapports entre les personnages que la réalisation sonne le plus juste. Les faiblesses du long métrage sont ainsi compensées par de vrais morceaux de bravoure, notamment dans le portrait des relations qu'entretient Largo avec sa famille adoptive. Saluons l'audace du casting, qui donne à un humoriste méconnu du grand public, Tomer Sisley, le rôle titre. Un choix payant car on ne doute pas une seule seconde de sa crédibilité dans la peau du jeune milliardaire. Kristin Scott Thomas fait également forte impression dans le rôle d'une femme de poigne du groupe W. Vous l'aurez compris, Largo Winch constitue une des bonnes surprises de cette fin d'année, un agréable divertissement qu'on soit - ou non - lecteur de la BD.

La projection du film était suivie d'une rencontre avec la presse dont vous trouverez la retranscription également dans ces pages.

Largo Winch, de Jérôme Salle
Sur un scénario de Jérôme Salle et Julien Rappeneau
D'après la BD de Jean Van Hamme et Philippe Francq
Avec Tomer Sisley, Kristin Scott Thomas, Gilbert Melki, Mélanie Thierry, ...
A partir de 13 ans
Sortie française : 17 décembre 2008

Kultiverse : une tentative pour fédérer les univers cultes

La SEFA a en effet décidé de profiter de la notoriété de Japan Expo pour lancer un label encore plus vaste et ambitieux : "Kultiverse, le salon des univers cultes" est sensé rassembler sous la même bannière quatre salons différents, Kultima (lancé en même temps que Chibi Japan Expo à l'automne dernier), Azikult, Kultigame et, bien entendu, Japan Expo. Azikult et Kultigame sont les petits nouveaux du quatuor, dédiés respectivement à la culture asiatique et aux jeux (notamment vidéo).

Certains ont reproché un manque de lisibilité de ces différentes structures au sein du festival. La critique est justifiée car chaque partie aurait gagné à disposer d'une identité visuelle propre au sein même du festival (à travers des couleurs dédiés sur le plan ?). S'il n'était pas trop difficile de comprendre comment s'articulaient Japan Expo, Kultima, Azikult et Kultigame lorsqu'on passait au moins deux jours dans le salon, la chose était moins évidente pour ceux qui n'étaient que "de passage". Le nombre de compte-rendus faisant simplement état de "Japan Expo" et non de la globalité des trois salons qui y était accolés est là pour en attester. Si la stratégie de développement de la SEFA est compréhensible (profiter de la notoriété de Japan Expo pour propulser sur le devant de la scène des festivals "dérivés", un peu à la manière des spin-off chers aux séries américaines), elle n'en génère pas moins un certain flou pour le visiteur lambda. Ce sera là ma principale et seule véritable critique quant à l'organisation de la manifestation.

Des avancées notables en termes d'organisation

Car, pour le reste, force est de reconnaître que la SEFA a su tirer la leçon de ses erreurs passées. L'attente pour entrer dans Japan Expo était, jusqu'à maintenant, redoutée même lorsqu'on avait une pré-vente ? Tout ceci est désormais terminé. La queue est fluide (pour peu, bien entendu, qu'on n'arrive pas avant l'ouverture du salon - cela semble couler de source) et très bien gérée. Impossible d'assister au cosplay sans faire des heures et des heures de queue ? Là encore, cette époque est révolue : le salon organise le concours dans un hall pouvant accueillir plusieurs milliers de personnes, avec trois écrans géants permettant même aux plus éloignés de suivre ce qui se passe sur scène. Un certain nombre d'esprits chagrins se bornent chaque année à déplorer le côté commercial de l'événement ? Qu'à cela ne tienne, le salon propose de plus en plus d'activités culturelles, à commencer par la découverte de chanteurs et groupes japonais, allant de jeunes artistes qui percent progressivement (AciD FLavoR) à des groupes plus confirmés (Miyavi), du hard rock (Machine) à la pop (Scandal). Une fois entré dans le salon, le visiteur pouvait ainsi assister chaque jour à trois concerts différents. Une initiative qu'il est bon de saluer et d'encourager vivement tant la démarche est remarquable. Nous n'avons pu assister à l'ensemble de ces prestations, mais les concerts de Betta Flash et de AciD FLavoR nous ont enthousiasmé !

Les stands professionnels sont, d'année en année, plus impressionnants. Kana a, comme à l'accoutumée, fait forte impression avec un Naruto géant qui semblait protéger le salon de sa bienveillance. Nintendo n'était pas en reste avec une équipe de Pokemon dépêchée spécialement pour l'occasion. Sans parler de la 2e convention Ankama qui étonne toujours autant par son insolente réussite : l'entreprise lilloise, à l'origine du jeu vidéo en ligne Dofus, est une des plus belles success story françaises de ces dernières années. L'équipe d'Ankama était présente en force pour promouvoir leurs jeux (notamment Wakfu, dont le dessin animé éponyme sera diffusé à la rentrée sur France 3), leurs bandes dessinées et, plus généralement, une certaine manière de soutenir le dynamisme créatif à la française.

Les Japonais en force au festival !

Du côté japonais, le nombre croissant de stands en provenance directe du Pays du Soleil Levant se confirme. Et il ne s'agit pas seulement de commerçants venus vendre leurs produits en exclusivité.

Car la maison d'édition Shueisha a frappé un grand coup avec un très bel espace consacré aux 40 ans du magazines de pré-publication Weekly Shônen Jump. Les plus grandes séries de Jump étaient mises à l'honneur, avec une exposition de reprographies (de grande qualité) de planches originales de Death Note, Bleach, Naruto, Dragon Ball... L'éditeur japonais en profitait également pour sonder le public quant à son intérêt pour la lecture de mangas sur téléphone portable. Une dizaine de portables Domoco était disponible en libre accès pour découvrir les transpositions numériques (et en couleurs) des titres sus-cités. Comme ci cela ne suffisait pas, Japan Expo fut l'occasion, pour Jump, de lancer son portail Internet exclusif destiné au public européen : Jumpland. Ce dernier permet de lire en ligne, en toute légalité, les premiers chapitres de plusieurs oeuvres cultes (pour l'instant gratuitement)... Le premier pas vers, à long terme, une mise en ligne directe par l'éditeur japonais des mangas qu'il publie ? Cet intérêt des Japonais pour le marché mondial n'est guère étonnant tant le manga est devenu un incontournable de la culture mondiale. Jumpland propose également un blog permettant de suivre les différents événements consacrés à Jump à travers le monde. C'est ainsi l'occasion de découvrir une partie des coulisses et d'apprendre, par exemple, que Takeshi Obata a pu goûter aux vertus de la raclette au coeur de l'espace V.I.P. de Japan Expo.

La venue d'un certain nombre d'auteurs majeurs a contribué au prestige de la neuvième édition de Japan Expo. Si les plus grands étaient (logiquement) difficilement accessibles en termes de dédicaces, tous pouvaient être plus aisément approchés lors de conférences ouvertes au public. La forme de ces interventions était fonction des souhaits de l'auteur et de son éditeur (son tantô), de sorte qu'aucune intervention ne se ressemblait. La discussion avec Takeshi Obata (dessinateur de Death Note et Hikaru No Go) fut articulée autour de questions/réponses visiblement convenues en amont avec le mangaka, ne laissant ainsi aucune place aux éventuelles questions du public. A contrario, la rencontre avec Yoshiyuki Sadamoto (chara-designer d'Evangelion et du long-métrage La Traversée du Temps) donna l'impression d'assister à une conférence de presse (où chacun peut interroger directement l'auteur), la cohérence globale des questions en moins. L'interactivité n'est donc pas toujours l'idéal pour donner naissance à un débat réellement enrichissant. Le public est ressorti globalement plus satisfait de la conférence de M. Obata que de celle de M. Sadamoto, la première étant bien mieux huilée (questions pertinentes posées à l'auteur et à son tantô, deux dessins réalisés en direct par l'auteur) que la deuxième. Le reste des rencontres était ainsi à l'avenant, dépendant beaucoup de la personnalité des personnes mises à l'honneur.

Des amateurs de plus en plus professionnels

En face de cette débauche de moyens, les amateurs n'étaient pas en reste pour faire vivre le salon. Les fanzines mettaient en avant de bien belles choses, avec des ouvrages toujours plus soignés et sophistiqués. Le passage à un statut professionnel d'un certain nombre d'auteurs se confirme d'année en année. C'est ainsi que les sœurs Ung dédicaçaient leur premier album paru chez Soleil (le très coloré Lolita Jungle) ou que Virak et Marie Tho étaient présentes sur le stand Shogun (pour des mangas - respectivement Le Ciel d'Eden et Pity - à paraître en fin d'année/début d'année prochaine). En attendant l'an prochain où nous espérons voir notre chère Rosalys invitée pour dédicacer Fly For Fun aux éditions Foolstrip.

Comment ne pas évoquer également l'incroyable dynamisme de la S.O.S. Brigade, stand sur lequel les fans de La Mélancolie de Haruhi Suzumiya assuraient la promotion de leur œuvre fétiche ? On ne compte plus le nombre de Hare hare yukai (la danse correspondant au générique de fin de cette série) qui, tels des happenings festifs, se sont tenus aux quatre coins de la manifestation du jeudi au dimanche. L'enthousiasme de ces jeunes faisait plaisir à voir. Il illustrait également le perpétuel renouvellement des générations qu'opère la communauté des amateurs d'animation japonaise (la moyenne d'âge de la vingtaine de personnes qui constituaient la S.O.S. Brigade étant d'environ 19-20 ans).

Cosplay prism power, make up!

Enfin les grands classiques que sont le karaoke et le concours de cosplay étaient bien entendu au rendez-vous. Le cosplay a, comme à l'accoutumée, remporté un vif succès, avec des costumes de toute beauté. Poursuivons justement sur des considérations vestimentaires en évoquant une évolution notable dans les allées de Japan Expo au fil des années : de plus en plus de personnes viennent au salon habillées selon la mode japonaise ou, de manière plus surprenante, déguisées tels des héros de dessins animés. L'apparition de boutiques vendant (de manière pas toujours très légale) des costumes tirés des principales séries à la mode, tout comme l'essor des offres de cosplay faits main sur Internet (notamment eBay), permettent ainsi à chacun de se prendre pour ses personnages préférés et ce, même si on ne dispose pas de talents de couturier. Les spécialistes des concours de cosplay regretteront peut-être cette tendance. Il n'en reste pas moins que cela donne de la couleur au festival et contribue ainsi à l'immersion du visiteur dans la culture visuelle japonaise. La SEFA avait d'ailleurs pris conscience, en amont, de ce phénomène puisque que le festival comportait une scène 100% Cosplay permettant à chacun de "se montrer, même sans prendre part aux compétitions."

Rassembler différentes communautés sous un même étendard

Sans surprise, la culture asiatique constituait clairement le fer de lance de cette première édition de Kultiverse. Si les jeux vidéos n'étaient pas en reste (avec de gros stands dédiés à Nintendo, Namco-Bandai, etc.), les animations de la section Kultima paraissaient beaucoup moins enjouées. Les activités y semblaient plus statiques. Les grands auteurs venus dédicacer pour l'occasion (entre autres Moebius) ne donnaient pas tous de conférence, retombant ainsi dans les travers classiques des festivals de BD franco-belge, quand seule la dédicace compte.... Difficile de faire bouger les lignes de séparation entre des univers complémentaires mais que certains se sont longtemps échinés à opposer.

Nous tenons donc, pour conclure, à inciter la SEFA à poursuivre ce rapprochement entre les différents univers cultes, à prévoir - pour l'avenir - des activités mêlant les différents mondes (à commencer par des conférences communes, même si la logistique est évidemment plus lourde quand des auteurs étrangers sont invités à intervenir en même temps que des Français). Les rencontres qui en émergeront aboutiront sans aucun doute à de beaux métissages trans-culturels. Rendez-vous est pris, en tout cas, pour l'été prochain afin de découvrir la deuxième édition de Kultiverse. D'ici là, les plus impatients pourront se retrouver au salon Chibi Japan Expo, du 31 octobre au 2 novembre à Paris-Est Montreuil.

Pour aller plus loin

• Le très complet compte-rendu de Pazu d'Animint : L'aventure continue, partie 1 et partie 2.
• Le bilan de visiteuse de Rosalys
• ActuaBD rapporte le ressenti de certains professionnels sur Japan Expo : Japan Expo - 9ème Impact : Bilan et perspectives
• Une sublime sélection de photos de l'événement par Florian Fromentin
• Le dossier de Christophe Sauveur sur la neuvième édition de Japan Expo.
• Ma galerie photo personnelle sur l'événement.

De retour d’Angoulême, la tentation d’écrire un billet exhaustif sur son ressenti quant au festival est grande tant les 4 journées de la manifestation ont été remplies. Mais plutôt que de mettre tous les aspects de l’événement sur un pied d’égalité, nous allons nous focaliser sur les cinq points qui nous ont le plus enthousiasmé. Et vous livrer ainsi le meilleur de notre séjour dans la préfecture de la Charente.

Le Pavillon Chine : une invitation à la découverte

Le Festival International de la BD d’Angoulême est, de par sa diversité, une occasion fantastique pour s’ouvrir à d’autres styles d’arts graphiques que ceux dont on a l’habitude. Entre les espaces consacrés aux gros éditeurs, aux éditeurs indépendants, à la jeunesse ou aux jeunes talents et les expositions et conférences dédiées à certains auteurs incontournables ou méconnus de la bande-dessinée mondiale, il y a de quoi faire. Sans même parler des rétrospectives ou des pays que la manifestation met à l’honneur à chaque édition.

Cette année, actualité oblige (les Jeux Olympiques d’été se tiendront du 8 au 24 août à Pékin - nommée Beijing en mandarin), la Chine était sous le feu des projecteurs d’un bon nombre d’événements. Une journée spéciale (le vendredi) lui était d’ailleurs dédiée. De nombreux auteurs avaient fait le déplacement. Plusieurs sont déjà publiés en France (chez l’éditeur Xiao Pan et chez Kana), à l’instar de Ji Di (My Way), Pocket Chocolate (Butterfly in the Air, Le Mont du Sud), Yao Feila (80°C) ; d’autres ne le sont pas encore, mais mériteraient vraiment de voir leurs oeuvres éditées dans l’Hexagone (je pense notamment à Rain et à Zhu Letao). Le créateur des mascottes des J.O., Wu Guanying, était lui aussi de la partie. La volonté de la Chine de tisser de nouveaux liens culturels avec l’Occident est profonde. Les nombreux efforts de la délégation chinoise pendant le festival sont là pour en attester. On ne pouvait qu’admirer l’ardeur à la tâche affichée par les invités chinois. Certains allaient même jusqu’à profiter du soir pour perfectionner le dessin qu’ils avaient réalisé pour la fresque réunissant auteurs chinois et européens.

En entrant dans le pavillon consacrée à la Chine, on ne pouvait qu’être séduit son côté accueillant : couleurs chaudes, espace feutré, grande proximité avec les auteurs. La découverte n’en était que plus agréable. Ce qui m’a d’ailleurs motivé à me plonger un bon nombre de manhuas (BD chinoises) pendant le festival. Je reviendrai prochainement sur ces lectures.

En tout cas, cet espace - et l’énergie qui l’habitait - restera, pour moi, l’un des meilleurs souvenirs de ce 35e Festival de la BD d’Angoulême.

Exposition Lou : quand l’adolescence fleure bon le bien-être

Fan de Lou depuis la première heure, j’espérais que l’oeuvre de Julien Neel remporte l’Essentiel Jeunesse. Le jury, composé uniquement d’enfants, lui a préféré Sillage de Morvan et Buchet. Heureusement je pouvais me consoler de cette déception avec la très mignonne exposition consacrée à mon adolescente de papier préférée sur le pôle Jeunesse : le visiteur pénétrait ainsi dans l’appartement de Lou et de sa Maman, entrait dans leur cuisine (le frigo renfermait même des choux de Bruxelles !), pouvait s’affaler dans le coin télévision agrémenté d’une GameCube, se reposer dans la chambre de la jeune fille (toutefois rythmée au sein du poste-radio), … Un univers enchanteur dans lequel il faisait bon se promener. Pour ajouter encore au charme, Julien Neel venait régulièrement dédicacer dans cet espace, assis sur un canapé avec, à côté de lui, les enfants qui attendaient patiemment un dessin. Un moment magique pour les petits, bien loin des affres de certaines séances de dédicaces qui se tenaient dans la “bulle” consacrée aux éditeurs.

À noter que, pendant cette exposition, les festivaliers pouvaient découvrir une petite bande-annonce de 54 secondes du futur dessin animé de Lou (sur les écrans en 2008, produit par Go-n Productions, avec la participation de Glénat, M6 et Disney Channel). On y apercevait les personnages (sous forme de crayonnés) prendre vie et la présentation des principaux décors de la série. Élément notable : une sympathique chanson japonaise accompagnait l’ensemble. Est-ce un signe tendant à dire que le générique de Lou serait une chanson franco-japonaise, comme cela a pu être le cas sur Oban Star Racers ?

Exposition Clamp

La bande-dessinée japonaise avait son emplacement bien identifié au sein du festival : l’espace Franquin, rebaptisé pour l’occasion Manga Building. Passée la déception première - la faute à l’austérité du bâtiment, dont l’extérieur était heureusement rehaussé par les sympathiques décorations conçues par Meko, on avait le choix entre plusieurs expositions, notamment une consacrée au studio Clamp.

Il s’agit de quatre femmes, Ohkawa Nanase, Mokona Apapa, Mick Nekoï et Igarashi Satsuki, qui ont bâti une des oeuvres les plus marquantes des 20 dernières années en manga (comptant, entre autres, Rg Veda, X, Card Captor Sakura, Magic Knight RayEarth, Tsubasa Reservoir Chronicle ou xxxHoLiC). L’exposition qui leur était consacrée avait été fort bien préparée par les deux commissaires d’exposition, Julien Bastide et Nathalie Bougon, ainsi que par le principal éditeur des titres de Clamp en France, Pika : introduction à leurs principaux succès, dessins allant du crayonné jusqu’à la planche finie pour montrer le travail d’élaboration d’une page, illustrations couleurs (avec des dessins originaux en provenance directe du Japon, ce qui est très rare pour une exposition montée en France !), documentaire tourné au sein du studio… Tout était fait pour rendre hommage comme il se doit à ces talentueuses créatrices.

Atelier autour de la traduction du manga

Pendant les quatre jours que durait le festival, Grégoire Hellot (bien connu du petit milieu des amateurs de mangas et de jeux vidéos en France de par ses nombreuses activités, notamment comme testeur à Joypad, scénariste de France Five et actuellement directeur de collection chez Kurokawa) donnait quotidiennement une initiation à la traduction-adaptation de mangas au sein du Manga Building. À l’aide d’un support vidéo-projeté et de planches géantes issues de titres édités par Kurokawa (notamment le très attendu Saint Seiya - The Lost Canvas), il sensibilisait son public à la langue japonaise et aux problèmes que pose la francisation d’une BD japonaise. Réussir une conférence à la fois ludique et pédagogique est toujours un exploit : à l’issue des deux heures que duraient ces ateliers, on ne pouvait que tirer son chapeau à Grégoire Hellot pour la pertinence de son propos et de ses exemples, son humour et son dynamisme.

Fantastique scénographie sur l’exposition consacrée à BD argentine

Avec José Muñoz comme Président du Festival, la manifestation accueillait une sublime exposition consacrée à la BD Argentine, des années 30 à nos jours, au Centre National de la Bande Dessinée et de l’Image. La scénographie a fait l’objet d’un soin particulier. Elle immerge le visiteur dans l’Amérique du Sud des années 50, avec des musiques latines, des lumières tamisées, des kiosques à journaux. Cet hommage à la création dessinée de tout un pays (avec des planches de Carlos Cruz, Alberto Breccia, Quino, Copi et tant d’autres) est bienvenu. Il montre que la vitalité de la BD n’est pas seulement à chercher du côté des États-Unis, de l’Europe ou du Japon. Mais que c’est le monde entier qui s’est approprié ce média exceptionnel qu’on nomme désormais neuvième art.

Au Japon, Mobile Suit Gundam est une légende. Le grand public français n’a pu découvrir ce classique des univers de science fiction qu’à partir de 2001. C’est en effet à cette date qu’une chaîne hertzienne (M6) se décide à diffuser Gundam Wing, une des nombreuses séries estampillées Gundam.

Mais remontons un peu le temps. Nous sommes en 1979, au Pays du Soleil Levant. Depuis plusieurs années, les anime mettant en scène des robots géants (les mechas) se multiplient : ces géants de métal sont surpuissants et dotés d’attaques spéciales dévastatrices (à l'instar de Grendizer, plus connu sous nos lattitudes sous le nom de Goldorak).
Une équipe de la Sunrise, menée par Yoshiyuki Tomino, a alors l’idée de proposer une oeuvre différente, en modifiant radicalement la place du robot dans l’intrigue : dans Kidô Senshi Gundam (aussi connu sous le nom de Mobile Suit Gundam), le mecha n’est qu’un élément parmi d’autres, simple pion au coeur d’une guerre qui fait rage. Car la “marque” Gundam, c’est avant tout l’exceptionnelle richesse des univers que les différentes oeuvres dépeignent.

Les séries Gundam ont pour cadre un futur dans lequel la conquête spatiale n’est plus un simple rêve. Bien au contraire : les Terriens ont commencé à s'installer sur de nouvelles planètes et à construire de gigantesques stations orbitales.
Généralement, le scénario se focalise alors sur un conflit entre la Terre et ses colonies. Il s'attache notamment à dépeindre la guerre (ses mécanismes d’entraînement et d’enlisement, ses implications tant politiques que sociales) avec une efficacité et une lucidité remarquables. Tiraillés de part et d’autres par leurs convictions et par des événements qui les dépassent, les personnages de ces séries essaient tant bien que mal de se frayer un chemin dans un monde déchiré.

En France, la franchise Gundam a connu, ces dernières années, un regain d'intérêt de la part des éditeurs de mangas et de DVD. Au format papier, Pika édite depuis bientôt un an Gundam - The Origin, qui reprend grosso modo l'intrigue de la série originale de 1979. Parmi tous les mangas Gundam publiés au Japon et en France, il s'agit du meilleur titre, un incontournable de la science-fiction japonaise !

En vidéo, Beez a commencé par proposer les trois films tirés de la première série puis les longs métrages qui y faisaient suite (Mobile Suit Gundam : la contre-attaque de Char, Mobile Suit Gundam 083 : Le Crépuscule de Zeon et Mobile Suit Gundam F91). Ces oeuvres, à la qualité intrinsèque indéniable, accusent toutefois leur âge sur le plan technique. De fait, de nouvelles séries estampillées Gundam ont vu le jour au fil des années (2007 verra d'ailleurs l'arrivée, sur les écrans nippons, de la petite dernière : Gundam 00) pour séduire un nouveau public.

L'une des plus récentes est Mobile Suit Gundam Seed (dont une suite, Mobile Suit Gundam Seed Destiny, a été diffusée au Japon en 2004-2005). Les intrigues Gundam prennent souvent place dans des univers alternatifs indépendants les uns des autres ; c’est justement le cas de Gundam Seed par rapport aux séries produites depuis 1979. Il n’est donc pas nécessaire d’avoir vu l’une des précédentes séries Gundam pour découvrir celle-ci (a contrario, il est utile d’avoir visionné Seed avant d’attaquer Destiny).

Ère Cosmique, année 70 : les relations se sont envenimées entre les Naturels de l’Alliance Terrestre et les Coordinateurs (humains génétiquement modifiés habitant les colonies spatiales appelées PLANTs) de ZAFT. Suite aux événements tragiques de la St Valentin Sanglante, les tensions initiales se sont transformés en affrontements militaires de grande envergure. Onze mois après le début des hostilités, le conflit s’est enlisé. C’est à ce moment-là que débute Gundam Seed.
Kira Yamato est un jeune Coordinateur qui a émigré sur Heliopolis, une colonie neutre. Le jour où ZAFT lance une attaque contre la colonie - soupçonnée de construire des prototypes de Mobile Suits (robots géans de combats) - il est obligé de se battre pour défendre ses amis Naturels. Le hasard du destin le conduit alors à se retrouver face à face avec son ami d’enfance Athrun Zala qui, lui, s’est engagé du côté de ZAFT.

Gundam Seed se démarque sans mal du reste de la production japonaise : chara-design (signé Hirashi Hirai) séduisant, histoire menée tambour battant (à ce sujet, les cinq premiers épisodes de la série sont à couper le souffle), intrigue intelligente (caractéristique du savoir-faire des Japonais dès lors qu’il s’agit de décrire un conflit loin de tout manichéisme). A noter, aussi, la grande qualité des génériques de début et de fin - quatre génériques de début et trois génériques de fin accompagnent les 50 épisodes que compte la série - qui s’accorde parfaitement au dynamisme de l’oeuvre. Si les dessins et l’animation souffrent de quelques variations de qualité suivant les épisodes (mieux vaut éviter, par exemple, de comparer les deux premiers épisodes avec l’épisode 8), le spectateur oublie vite ces petites faiblesses passagères pour se focaliser sur la richesse du scénario. C’est d’autant plus vrai que les scènes cruciales sont, elles, toujours irréprochables techniquement et esthétiquement parlant.

Gundam Seed est l'un des tous meilleurs space opera de ces vingt dernières années. A découvrir au plus vite, d’autant que l’édition proposée par Beez est de qualité (bonus, présence de la VOSTF et de la VF).

Lou ! est une très attachante bande dessinée jeunesse réalisée par Julien Neel. La critique ne s'y est d'ailleurs pas trompée : le premier volume a reçu le Prix Jeunesse du Festival de Sollies et le Prix jeunesse 9/12 ans au Festival d’Angoulême 2005.

La série débute alors que Lou, adorable petite fille blonde de 12 ans, vit seule avec sa Maman. Elle aime les vêtements, mais déteste la mode. Elle se confectionne donc ses propres habits, avec plus ou moins de bonheur. Elle rêve d’être auteur dramatique, metteur en scène, comédienne et costumière, rien que ça ! Mais avant, elle devra surmonter un obstacle important : sa timidité. Dans sa vie, il y a Mina, sa meilleure copine … mais aussi Tristan, le voisin d’en face, pour qui elle en pince.
Maman, elle, est une mère bien de son époque. Elle est écrivain. Mais dès que sa fille part à l’école, elle préfère se précipiter sur sa console plutôt que de se mettre à son clavier. Sa petite vie est chamboulée lorsqu’un nouveau voisin emménage sur le même palier : le beau Richard ne la laisse en effet pas insensible. Ayant une forte tendance à perdre ses moyens devant l'être aimé, elle ne sait pas comment l'aborder. Heureusement, elle peut compter sur sa fille pour lui donner des conseils.

Si chaque planche constitue un gag indépendant, elle participe aussi à l’évolution globale de l’histoire : les relations entre les personnages s’affinent ainsi au fil des pages. Les deux premiers volumes sont très enjoués. Le monde de Lou semble n'avoir aucune frontière, tous les rêves sont encore possibles ! Lorsque débute le troisième tome (poétiquement baptisé "Le Cimetière des Autobus"), la jeune fille vient de fêter ses 13 ans. Tristan a déménagé et une nouvelle année scolaire s'annonce. Pour Lou, c'est l'époque des doutes qui commence, lorsqu'on n'est plus tout à fait enfant, mais pas encore adulte.

L'enfance et l'adolescence auront rarement été évoquées avec autant de sobriété, de pertinence et de tendresse que dans ces albums. Le dessin dynamique et très cartoon de Julien Neel, ainsi que le remarquable travail sur les couleurs, contribuent pleinement au charme de l'oeuvre. Voilà une série qui mérite vraiment des louanges, tant elle est susceptible de remporter l’adhésion aussi bien des petits que des plus grands. En mêlant émotion et humour, Julien Neel participe activement au renouvellement de la bande dessinée jeunesse.

Lou !, de Julien Neel
Série (en cours) en 3 volumes
Humour tendre
A partir de 9 ans
Editeur : Glénat
ISBN : 2723442756 (tome 1), 2723448150 (tome 2), 2723452522 (tome 3)

A l'occasion de Japan Expo (le plus grand festival francophone autour de la culture asiatique), notre secrétaire, SaturnAlice, participe au concours d'AMV. Je vois des lecteurs tiquer : qu'est-ce qui se cache derrière ce sigle de trois lettres ? C'est ce que je vais tenter de vous expliquer dans les lignes qui suivent.

Une Anime Music Video (AMV), ou clip vidéo d'anime, est une oeuvre vidéo musicale réalisée à partir d'extraits de dessins animés (la plupart du temps des séries animées japonaises). L'exercice consiste à combiner efficacement une bande sonore choisie spécialement pour l'occasion et un montage adéquat de séquences extraites d'un (ou de plusieurs) dessin(s) animé(s). Au niveau musical, le choix peut se porter sur le générique d'un autre série mais aussi sur des chansons sans rapport avec le monde de l'animation. Les réalisateurs d'AMV apprécient généralement beaucoup les compositions de groupes tels que Rammstein ou Linkin Park... mais certains osent quand même faire dans l'originalité original en choisissant, par exemple, une interprétation signée Emilie Simon (à l'instar de l'AMV qui remporta le concours organisé lors de la manifestation G.A.M.E. In Paris 2006, basée sur la chanson Alicia - vidéo visualisable directement sur Dailymotion) ou Charlotte Gainsbourg. Pour ce qui est de la partie vidéo, elle est constituée d'extraits d'une ou plusieurs oeuvres animées. Bien entendu, l'important est l'adéquation entre la musique et l'animation. La création d'une AMV est ainsi comparable à la production d'un clip vidéo d'une durée comprise entre une et sept minutes. Elle requiert non seulement des capacités techniques évidentes (pour maîtriser les logiciels de montage) mais aussi une forte sensibilité artistique : l'AMV est d'autant plus réussie qu'elle est porteuse de sens tout en étant esthétiquement irréprochable.

Les AMV recueillent généralement un fort succès auprès des fans d'animation. Pour s'en convaincre, il n'y qu'à voir le nombre de ces productions vidéos mises en ligne sur les sites tels que YouTube et Dailymotion. En France, une association a vu le jour en 2001 pour promouvoir cette activité. Il s'agit de Fantasy Movies. L'association est présente non seulement sur Internet (où elle développe des liens croissants avec la communauté internationale des créateurs d'AMV) mais aussi dans la plupart des grands salons français dédiés à la culture japonaise (dans lesquels elle organise régulièrement des concours).

Pour finir, souhaitons donc bonne chance à notre amie SaturnAlice pour sa première participation à un concours d'AMV. Je vous invite à découvrir son oeuvre, Realize Yourself, basé sur des images de La Mélancolie de Haruhi Suzumiya (série en 14 épisodes diffusée en 2006 au Japon et ne disposant pas encore d'une date de sortie officielle en France) et sur une chanson de Gundam Seed qu'elle a spécialement chantée en français pour l'occasion !

Pour aller plus loin :
- la présentation des AMV sur Wikipedia, l'encyclopédie libre ;
- nous vous conseillons vivement de consulter les meilleures AMV des récents concours organisés par Fantasy Movies, lors de Japan Expo 2006 ou G@me 2006
- le site de AMV de Fans, site francophone rassemblant un grand nombre d'AMV.

Une enfance iranienne retranscrite en bande-dessinée

C'est cette trajectoire peu commune que Marjane Satrapi s'est attachée à dépeindre dans les quatre volumes (désormais rassemblés en un seul, dans la collection Ciboulette de l'Association) de sa première oeuvre, Persepolis. Dès la parution du premier tome, la critique salue - à juste titre - la profondeur et la pertinence de la démarche. Le succès commercial arrivera, lui, progressivement.

Car l'oeuvre est d'apparence austère pour les personnes sans véritable habitude de la BD d'auteur : le dessin est en noir et blanc, relativement statique (précisons que Marjane Satrapi ne s'était jamais destinée à une carrière d'auteur BD - c'est sa rencontre avec David B. qui la révélera au neuvième art) et garni de nombreux récitatifs. Si tant est que le lecteur accepte d'aller au-delà de cette première impression potentiellement rebutante, alors il voit se dérouler devant lui un témoignage unique sur les bouleversements qu'a rencontrés, dans la seconde moitié du XXe siècle, l'un des plus grands pays d'Orient.

Les éditeurs internationaux ne s'y sont d'ailleurs pas trompés car Persepolis a connu une belle carrière non seulement en France mais aussi à l'étranger, notamment aux Etats-Unis.

Après la bande dessinée, le film

Forte de ce succès, Marjane Satrapi a choisi d'aller plus loin en adaptant sa création au cinéma, sous la forme d'un dessin animé. Pour ce faire, elle s'est adjoint les services de Vincent Paronnaud à la réalisation. Celui-ci n'est pas inconnu des amateurs de BD puisqu'il est, sous son pseudonyme de Winshluss, un acteur important de la bande dessinée indépendante française. La gestation du projet a duré 3 ans.

C'est désormais dans un peu moins d'un mois que Persepolis débarquera dans les salles obscures (très exactement : le 27 juin). Auparavant, il a été projeté en compétition au Festival de Cannes, où il a reçu le Prix du Jury. Nous avons eu l'occasion de le voir en avant-première et nous pouvons donc vous confirmé que ce long-métrage a amplement mérité sa récompense !

Car les réalisateurs n'ont pas fait l'erreur d'adapter trop fidèlement l'oeuvre originale. Ils ont su élaguer, trier, réinterpréter ce qui fait l'essence de Persepolis. Bien entendu, dans le fond, le film véhicule des valeurs et des réflexions similaires à celles mises en avant sur la bande dessinée. Mais une sélection bienvenue a été opérée (la découverte de la sexualité ou les différents logements qu'a connu Marjane à Vienne sont deux éléments - parmi d'autres - qui sont suggérés, et non pas détaillés, dans le long-métrage). Là où la BD pouvait parfois donner l'impression d'être un fourre-tout exhaustif des expériences de l'auteur, le film d'animation met l'accent sur certains éléments bien identifiés : le quotidien d'une famille iranienne ordinaire (avec la crainte des contrôles incessants menés par les Gardiens de la Révolution), l'ignominie et l'absurdité d'un régime totalitaire et, surtout, la question de l'intégrité. Dans le dossier de presse, Marjane Satrapi revient sur le processus ayant conduit du support papier à l'écran :

"Il a fallu oublier la structure des quatre albums, repartir de zéro, construire tout à fait autre chose. Une bande dessinée n'est pas un story-board de cinéma. La bande dessinée est le seul moyen narratif avec images où le lecteur participe à la narration : il faut un travail d'imagination pour deviner ce qui s'est passé entre deux cases. Dans la BD, le lecteur est actif, au cinéma, le lecteur est passif. La narration étant différente - au cinéma, il y a le mouvement, le son, la musique -, le fond devait l'être aussi, forcément."

Des parti-pris parfois surprenants mais toujours pertinents

• Article de Télérama consacré au "pari de Marjane"
• Rencontre filmée entre Télérama et Marjane Satrapi
• Entretien avec Marjane Satrapi sur BD Sélection, à la sortie du tome 2 de Persepolis
• De premiers avis sur le film

Mardi 16 janvier se tenait, à la médiathèque Diderot de Nantes, un débat avec Etienne Davodeau, auteur de BD à l'origine - entre autres - de Chute de Vélo, Rural ! ou, plus récemment, des Mauvaises gens.

Etienne Davodeau est un auteur "social". Une caractéristique qu'il cultive au fin des albums. Dernièrement, il s'est ainsi attaché à dépeindre le quotidien de trois agriculteurs qui décident de convertir leur exploitation à l'agriculture biologique (Rural !), le parcours syndicaliste de ses parents (Les Mauvaises Gens), le mouvement de protestation des ouvriers brestois en 1950 (Un Homme est Mort). Il ancre ses histoires dans le réel (l'action se situe de nos jours, dans des milieux allant de modeste à moyennement aisé) en leur donnant une valeur de témoignage. Plutôt que de puiser dans l'inspiration des autres (comme cela pourrait être le cas pour créer un western), il préfère partir lui-même d'une matière brute et la modeler. Une démarche valable non seulement pour les "reportages" BD qu'il réalise mais aussi pour les oeuvres de fiction auxquelles il donne naissance. Ainsi de Quelques jours avec un menteur pour lequel l'auteur a puisé deux éléments de son expérience personnelle (d'une part, les retrouvailles, à 30 ans, de vieux amis qui s'étaient promis de se retrouver dix ans après leur sortie du lycée ; d'autre part, la peur des attentats qui régnait dans le métro parisien en 1995).

Au cours de cette discussion animée par Georges Mérel, Etienne Davodeau est revenu sur ses influences (pas de véritable "maître" mais plutôt une tendance à picorer à divers endroits), sur la liberté qu'octroie un format sortant du traditionnel "48CC" (le fameux album type que la BD franco-belge a longtemps promu : 48 pages couleurs avec couverture cartonnée), sur le retour favorable que lui ont valu ses dernières créations, sur sa méthode quand il met en scène des personnes réelles (il leur soumet les planches et leur donne un droit de regard quand aux propos qu'il fait tenir à leur incarnation dessinée ; par contre, il verrouille son propre discours et refuse d'y apporter des modifications - si vraiment il y a blocage, alors il préfère mettre la planche à la poubelle), ...

Au final, une rencontre passionnante avec un auteur que je vous enjoins à (re)découvrir au plus vite !

Le trentième Festival International du Film d’Animation d’Annecy s’est tenu du 5 au 10 juin 2006, en présence d’invités prestigieux tels Tim Burton (producteur de l’Etrange Noël de Mr Jack, réalisateur des Noces Funèbres, …), Osvaldo Cavandoli (créateur de La Linea) ou encore Quino (auteur de la délicieuse Mafalda). Honneur était fait à l’Italie, à travers de nombreuses projections panoramas visant à faire (re)découvrir le dynamisme de nos voisins transalpins en matière de cinéma d’animation.

Plus de 270 films étaient en lice lors de cette édition d’une bonne tenue. Si l’on met de côté un système de réservation plus que perfectible pour les accrédités professionnels (ceux-ci devaient se connecter très régulièrement sur le site de la manifestation pour réserver leurs places avant de pouvoir les retirer au guichet adéquat… occasionnant des attentes répétées et parfois importantes), l’organisation était une fois de plus irréprochable. Le professionnalisme du festival annécien n’est plus à démontrer.

Où sont passés les Européens de l’Est ?

Une tendance générale pour commencer : au vu de cette cuvée 2006, l’animation mondiale tend à se concentrer autour de grands pôles (Europe de l’Ouest, Etats-Unis, Asie) au détriment de pays, autrefois plus largement représentés. On pense notamment aux productions d’Europe de l’Est, en net recul depuis plusieurs années, mais aussi aux réalisations africaines encore trop rares.

Question récurrente depuis près d’une décennie : qu’est-ce que l’essor de la 3D peut apporter au dessin animé ? En 2004, dans l’Officiel, Serge Bromberg (directeur artistique du festival) fustigeait la démultiplication de films aux formes et inspirations trop similaires et mettait en exergue le risque de lasser le public. Deux ans plus tard, force est de constater que le débat est plus que jamais d’actualité. La catégorie des Films de Fin d’Etude en est un parfait révélateur, de par la multitude de réalisations 3D proposées. Il semble en effet désormais indispensable aux étudiants en animation de disposer, sur leur carte de visite, d’un projet en 3D. Seules quelques écoles misent encore sur l’animation traditionnelle : La Poudrière en tête, avec un résultat bien souvent d’une grande tenue esthétique (à l’image de Nocturne, de Guillaume Delaunay). Même quand il s’agit du très bon Astronauts (prix du meilleur film de fin d’études), on peut légitimement se demander si la 3D était indispensable : ce qui distinguait ce film de ses concurrents, c’est son humour et sa mise en scène générale, pas véritablement son aspect technique.

L’un des dégâts collatéral de ce qu’il est tenu d’appeler “l’effet Pixar” est donc cette mode de la 3D. Pourtant, on oublie souvent que si l’entreprise de Steve Jobs (et les studios qui lui ont embrayé le pas, Dreamworks en tête) a réussi à démocratiser la 3D, c’est aussi - et surtout - grâce à un indéniable talent pour la scénarisation et la mise en scène… quand les réalisateurs 2D s’endormaient sur leurs lauriers. D’ailleurs, ce n’est pas un hasard si John Lasseter, devenu directeur de la branche animation de Disney, affirme à qui veut l’entendre qu’il compte bien redynamiser ce secteur, abandonné pour de mauvaises raisons.

L’hilarant court-métrage One-D de Michael Grimshaw (prix du jury junior) fait justement écho à cette problématique animation traditionnelle/animation 3D : il conte l’histoire de Bob et Diane, deux habitants d’un univers en une dimension qui vont au cinéma voir un film très “tendance”, en 2D.

Gageons donc qu’au fil des ans, le recours à la 3D se fasse avec plus de lucidité (discernement ?), pour de bonnes raisons (un apport artistique) plutôt que des mauvaises (suivre la mode, réduire les risques financiers).

Diversité des films de commandes

Les films de télévision ont vu triompher une très mignonne co-production espagnole et britannique, Pocoyo - “A little something between friends”. Le prix du vidéoclip a été décerné à Hyacinthe, réalisé par Sébastien Cosset et Joann Sfar, sur une chanson de Thomas Fersen (la sélection était de bon niveau, avec le fameux Feel Good de Gorillaz, deux clips poétiques d’Emiliana Torrini ou encore Les Petits Chiens d’Ignatus). Parmi les films publicitaires, c’est une réalisation engagée qui a été honorée : Human Ball, de Andreas Hasle, pour Médecins sans Frontières. Même engagement fort dans la catégorie des films éducatifs, scientifiques ou d’entreprise avec le couronnement de The Birds and The Bees - A secret you shouldn’t keep, sur le difficile thème des abus sexuels sur enfants.

Renaissance primé !

La sélection des longs métrages en compétition était, cette année, d’un redoutable classicisme : deux oeuvres françaises (le très gaulois Astérix et les Vikings et le plus osé Renaissance), deux japonaises (Origine et xxxHOLiC manasu no yo no yume, deux films de commande manquant malheureusement de relief) et une britannique (Wallace et Gromit - Le Mystère du Lapin Garou). Si le second long métrage du studio Aardman sort clairement du lot (grâce à son dynamisme, sa réalisation d’une redoutable efficacité ou encore ses multiples références au cinéma de genre), le jury lui a préféré Renaissance. Il faut avouer que Wallace et Gromit a déjà reçu l’Oscar du Meilleur Film d’Animation, est sorti en DVD dans de nombreux pays et a reçu un accueil digne de ce nom de la part du grand public ; ce n’est pas un prix de plus ou de moins qui changera véritablement la destinée d’Aardman. Le cas de Renaissance est différent : si le film a bénéficié, en France, d’une campagne publicitaire d’envergure, il n’a certainement pas encore touché l’ensemble de son coeur de cible. Ce prix devrait lui apporter en crédibilité et permettre aux producteurs et distributeurs d’envisager sereinement la prochaine sortie DVD ainsi que la vente du long métrage à l’international.

De nombreuses avant-premières

Pour découvrir des oeuvres résolument inédites, le public devait se tourner du côté des avants-premières. La plus impressionnante, en termes de moyens déployés, est sans nul doute celle de Monster House, réalisé par Gil Kenan (jeune réalisateur de 29 ans !), co-produit par Steven Spielberg et Robert Zemeckis : équipe de surveillance dépêchée de Paris pour l’occasion, passage au détecteur de métaux de chaque spectateur, surveillance de la salle pendant la projection à l’aide de lunettes infra-rouges afin de s’assurer qu’aucune image ne puisse s’échapper sur Internet. De telles mesures de protection contre le piratage sont-elles proportionnelles à la qualité intrinsèque du film ? Pas totalement : la réalisation est certes efficace, mais elle reprend avec trop d’insistance les clichés dans lesquels se complaît une frange du cinéma américain. Dans le genre, encore marginal, des films d’horreur à destination des jeunes spectateurs, Monster House (sortie en France le 23 août) devrait toucher sans peine son public. Les adultes, eux, resteront sur leur faim.

Trois films japonais étaient projetés en avant-première à Annecy avec, en toile de fond, la prise de conscience sociale et politique que peut provoquer le cinéma d’animation chez le spectateur : d’abord, Gen d’Hiroshima (adapté d’un manga de Keiji Nakazawa, l’un des premiers édités en France au début des années 80), puis Nagasaki 1945 The Angelus Bells et enfin Nausicaä, la Vallée du Vent (les spectateurs français devraient pouvoir découvrir ce film sur les salles obscures en août prochain, 22 ans après leurs homologues japonais !). Ces oeuvres mettent en évidence les ravages que l’être humain est capable d’infliger tant à la nature qu’à ses semblables. Elles tentent, à leur manière, d’adresser un message de vigilance et de paix aux jeunes générations.

Pour clore cette parenthèse dédiée aux avant-premières, signalons que le nouveau long-métrage de Michel Ocelot, Azur et Asmar, était lui aussi de la partie.

Des courts remplis d’émotions

Evoquons maintenant la catégorie la plus réjouissante, celle des courts-métrages. D’abord, une constatation : les différents programmes étaient très hétérogènes, ce qui a certainement nui à la partialité du prix du Public. Pour mieux comprendre les raisons d’une telle analyse, un bref rappel concernant le mode d’attribution de cette distinction s’impose : à la fin de chaque séance, le public est invité à voter pour le film qu’il a préféré ; c’est ensuite le film ayant recueilli le plus de suffrages qui emporte la mise. Les courts diffusés dans le cadre du programme 1 étaient très lourds (avec notamment la diffusion de Flesh, oeuvre choc d’Edouard Salier, qui voit des centaines d’avions s’écraser sur des gratte-ciels porteurs d’images pornographiques… symbole de la guerre dans laquelle notre monde semble s’enferrer). Dans cette programmation très noire, Dreams and Desires - Family Ties (de Joanna Quinn) faisait exception et apportait une bouffée d’humour. Sans remettre en cause la qualité évidente de cette oeuvre, les prix qu’elle a reçus (au nombre de trois !) sont certainement un peu trop nombreux en regard du reste de la sélection. On regrette ainsi que des titres tels que Printed Rainbow (par ailleurs primé dans le cadre de la Semaine de la Critique à Cannes 2006, de l’Indien Gitanjali Rao), Novecento : pianiste (de Sarah Van den Boom) ou encore Aldrig som första gangen! (de Jonas Andel, une magnifique illustration de ce que l’animation peut apporter au film documentaire, sachant que cette oeuvre met en images le témoignage de quatre personnes racontant leur première fois) n’aient bénéficié d’aucun coup de projecteur.

L’autre grand gagnant de la catégorie des courts, c’est (très logiquement) Histoire Tragique avec Fin Heureuse, de Regina Pessoa. Bénéficiant d’un nombre impressionnant de soutiens (Arte, Folimage, …), ce court narre avec beaucoup de sensibilité l’histoire d’une petite fille dont le coeur bat si vite et si fort qu’il perturbe le quotidien des personnes autour d’elles. Avec cette histoire inspirée de son propre vécu (sa mère est touchée par une maladie mentale), la réalisatrice a souhaité mettre en scène la différence. Déjà récompensé dans le cadre du concours international de projets lors d’Annecy 2001, Histoire Tragique avec Fin Heureuse reçoit cette fois le prix du meilleur court-métrage : un parcours décidément irréprochable de bout en bout.

Prochaine édition : du 11 au 16 juin 2007

Un compte-rendu du festival d’Annecy ne saurait être complet sans quelques mots pour les nombreuses manifestations autour du cinéma d’animation organisées pour l’occasion : projections en plein air sur écran géant (avec des têtes d’affiche telles que Mary Poppins, L’Âge de Glace 2 ou encore Kiki, la petite sorcière), expositions dédiées à Yoshitaka Amano, à La Linea, à Mafalda.

Comme à l’accoutumée, le Festival était par ailleurs jumelé au Marché International du Film d’Animation (MIFA) qui se tenait du 7 au 9 juin au Palace de l’Impérial. L’occasion pour les professionnels du secteur de vendre leurs projets auprès de maisons de production ou de chaînes de télévision. Un nombre conséquent de conférences et d’ateliers était organisé en parallèle.

Terminons en saluant l’ouverture, le 2 février dernier, de la Cité de l’Image en Mouvement (CITIA) dans la région annécienne. En 2006, CITIA propose une exposition de circonstance, sur “le cinéma d’animation à l’heure italienne“. Gageons que ce nouveau lieu de culture donnera lieu à de fructueux échanges entre auteurs et grand public.

Pour aller plus loin, d’autres compte-rendus du Festival International du Film d’Animation 2006 :
- Annecy 2006, vu par Morgan de Mangaverse
- Dossier du site AnimeLand.com
- Blog spécial dédié au festival
- Le MIFA vu par Yenaphe, scénariste
- Article publié par Libération
- Anim’Annecy